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Richard Wright - Wet Dream (1978)

Siguiendo a la realización del album Animals 1977 y la gira de soporte "In The Flesh", Pink Floyd hizo un paréntesis, habiendo llegado a ser lo suficientemente populares como para apoyar a albumes de solistas de los miembros de la banda que estuvieran inclinados a realizarlos. El guitarrista David Gilmour y el tecladista Richard Wrigth lo estaban.

 Para su album, Wright reunió algunos de los musicos de respaldo que habían estado acompañando a Pink Floyd por años, en particular el músico de metales e instrumentos de viento Mel Collins y el guitarrista Snowy White. Así que no fué sorpresa que el disco resultante, Wet Dream, sonara como tomas descartadas de las sesiones de Pink Floyd.

Los teclados de Wright habían sido siempre un elemento importante en el sonido de Pink Floyd, y su canto y sus composiciones líricas también habían sido una gran parte de la música del grupo, a pesar del creciente dominio de Roger Waters. En Wet Dreams, el estuvo interesado en proporcionar arreglos y cantos basados en teclados  típicamente lentos y contemplativos (en prácticamente cada melodía) en una voz serena y reberverante de discordia marital y escape.





Richar Wright agrega grandes texturas con sus teclados, algunas voces y también armonías vocales grandiosas, y algunas canciones excelentes que fueron parte de una era en la que toda la banda contribuía creativamente. Para darse una idea de en que nivel está su contibución personal para que Pink Floyd sonara como Pink Floyd solo basta con darle una escuchada a Wet Dream. Hay algo realmente Pink Floyd en este álbum, y pasa sin las letras de Roger Waters o la guitarra de David Gilmour, así que aquí tenemos una interesante perspectiva sobre qué parte del sonido de la banda proviene de Wright. Lstn

El resultado es un álbum que, no es pretencioso pero si muy honesto en lo que entrega y, si estás dispuesto a escuchar atentamente, te recompensará con  grandes interpretaciónes (Snowy White suena genial en varias canciones) y un sentir sublime, melodioso y misterioso. . Aunque al álbum le faltan canciones largas y completas y algunas veces parece un poco homogéneo, hay mucho que apreciar aquí.



Wet Dream abre con una instrumental, "C Mediterránean", basado en una línea de piano (casi todas las canciones de Wet Dream lo son) en la que Wright agrega toques muy familiares de sintetizador. Según algunas críticas Snowy White imita a David Gilmour con su toque de guitarra; creo que encontrarás que su forma de tocar es menos melódica y lírica, pero lo compensa con una velocidad y un fuego que Gilmour a regularmente no muestra.

La adición de un saxophone jazzy/prog tanto en en la canción de apertura como en varias otras también tipifica el álbum (no es exactamente el mismo tipo de sonido que usualmente Pink Floyd obtiene del sax, es un poco más jazzeado).

Solo hay cuatro melodías vocales en el álbum: la segunda canción: "Against the Odds", "Summer Elegy", "Holiday" y "Pink's Song". Las tres primeras son similares en sonido y tema, discutiendo algunas sentimientos bastante contemplativos sobre las relaciones. "Holiday" es definitivamente la pieza central del álbum: su mejor pista vocal, con un gran coro y un excelente crescendo. Olvidé cuál, pero puedes escuchar a Richard jugando con la parte de piano de una de estas canciones en el documental de Live At Pompeii.



"Pink's Song" es una muy misteriosa oda para alguien, quizás Syd Barrett (parece que todos los miembros de Pink Floyd sintieron la necesidad de dirigirse a su antiguo compañero de banda en una canción). En todo momento, la voz de Wright suena clara y honesta, y es un placer escuchar más de su canto. El resto del álbum es lento para instrumentales de medio tiempo. Algunos aspectos destacados incluyen la hipnótica "Waves" y la acertadamente titulada "Funky Deux". No es un álbum particularmente rápido, pero si estás de humor, la textura y el ambiente son bastante alucinantes.

Un largamente perdido album de Floyd? Probablemente no... Pero el primer album solista de Richard Wright es una gran adición a la colección progresiva de cualquier amante de la música. Y un Indispensable para los fans de Pink Floyd! Si dudabas de lo que Rick era capaz y responsable en el Floyd, solo necesitas escuchar Wet Dream. El es un compositor único y un excelente vocalista por derecho propio.





1978 first edition LP, Vinyl Rip.

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Boston - Don´t Look Back (1978)







Aunque fué lanzado en agosto de 1978, dos años completos después de su album debut, Don´t Look Back fué sin embargo, recibido con entusiasmo, ocupando el lugar número 1 en las listas de álbumes de Estados Unidos. Llegando a vender más de siete millones de copias, ayudando a consolidar el atractivo de Boston. como una de las mejores -si no es que la mejor- bandas de rock de la década de 1970. Canciones como la canción título del album, Feeling Satisfied, It's Easy y Party todas tenían el sonido de identidad de Boston. 




La producción original, guitarras orquestales grandiosas y vocales
estupendas proyectaron las melodías hacia las estrellas y más allá. Cada parte del proceso parecía ser muy fácil. Sin embargo, en una inspección más cercana se descubre que los arreglos representaron una inimaginable cantidad de esfuerzo, el enfoque meticuloso de Scholz daba al material un sentimiento familiar que contrastaba con el esfuerzo involucrado. Con el brillante sonido de rock de arena y las canciones amigables para la radio, "Don´t Look Back" fué seguramente una gran continuación, así como otro álbum clásico de los 70's.
Aunque la nave-guitarra se estrellaría después de este album  y la banda se separaría y nada volvería a ser lo mismo, ellos aún tenían ideas y es lo que más se ve en este álbum. Tu puedes ver una lista de canciones más creativa en este album comparado con el álbum debut, con canciones más interrelacionadas entre sí.  


The Doobie Brothers - What Were Once Vices Are Now Habits (1974)



What Were Once Vices Are Now Habits (Lo Que Alguna Vez Fueron Vicios Ahora Son Hábitos) es el cuarto album de estudio de la banda de rock americana The Doobie Brothers. Fué realizado el 1° de Febrero de 1974.

¿Qué podrían hacer los Doobie Brothers para mantener la excelencia del allbum The Captain and Me? Mucho. Comenzaron invitando a The Memphis Horns para inyectarle más soul a su sello de marca: rock boogie de estilo sureño. Luego, se aseguraron los servicios del virtuoso de Steely Dan Jeff "Skunk" Baxter para suministrar las partes de guitarra con pedal de acero.

Y para darle más sabor, la banda reclutó a Arlo Guthrie para que tocara el autoharp. ¿Los resultados? What Were Once Vices Are Now Habits es el álbum más variado del grupo hasta la fecha. Esta es solo una de las razones por las cuales Mobile Fidelity se enorgullece en incluir el esfuerzo de 1974 en su fenomenal serie de restauración del catálogo de The Doobie Brothers.

Por supuesto, ningún disco vale la pena sin una intensa composición de canciones. No temas. What Were Once Vices Are Now Habits se desborda con una memorable melodía tras otra. Es un verdadero esfuerzo colectivo, con el material reflejando las fortalezas musicales de cada uno de los miembros. Retomándolo donde el disuelto Creedence Clearwater Revival se había quedado, Tom Johnston contribuye con la entusiasta "Pursuit on 53rd Street" y "Down in the Track". La "Black Water" de Patrick Simmons insinúa un swamp-rock y le da a la banda su primer hit Número Uno.

Los Doobies también explotan la veta country-rock como nadie. “Tell Me What You Want (And I’ll Give You What You Need)” y "Another Park, Another Sunday" cruzan las raíces de los ritmos con melodías afiladas. Y la instrumental "Flying Cloud", aportada por el bajista Tiran Porter, descubre a los Doobies expandiendo aún más su paleta de sonidos mientras se mantienen fieles a sus temas desatados, de buenos momentos.

A cada parte, What Were Once Vices Are Now Habits, desafía la categorización fácil, pero al mismo tiempo se remonta en vibraciones amables diseñadas para satisfacer al oyente. Habiendo alcanzado el lugar # 4 en las listas de Álbumes Billboard, es seguro decir que el público quedó realmente impresionado.

Los ingenieros de Mobile Fidelity tenían los mismos objetivos en mente cuando masterizaron este clásico de rock de los 70s de las cintas maestras originales. Así la propuesta de la doble batería de los Doobie Brothers ahora resuena con un golpe que nunca antes había poseído. Las voces agudas de Johnson ya no tocan un techo artificial o se esconden detrás de una cortina velada.

El énfasis en los metales de The Memphis Horns llevan,  los sumamente importantes sonidos de rango medio de forma inmediata, transparente y dinámica.

mofi.
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Elton John - La Gira En Donde Casi Pierde La Voz!





El concierto realizado el 14 de Diciembre de 1986, ante 11 mil personas en el Sydney Entertainment Center (Qantas Credit Union Arena -actualmente), fué el último de una serie de 27 actuaciones cubriendo toda Australia. 
El tour habría comenzado en Brisbane y sé tocó permitiendo audiencias en todas partes, incluyendo Melbourne, Adelaida y Perth. 
La primera mitad del show mostró a Elton John y su banda de trece integrantes (y empezabas ya a disfurtar del concierto), después del intervalo, 88 miembros parte de la Melbourne Symphony Orchestra es escuchada y vista por primera vez, en lo que sería la ultima presentación del tour.
El show completo fué también televisado en vivo vía satéltie a una audiencia estimada en 10 millones de personas. 
Los instrumentos de la orquesta han sido reposicionados en el espectro estéreo, durante el proceso de mezcla, como manera de obtener la máxima claridad.


No hay absolutamente ningún doblaje en este album el cuál fué hecho de las grabaciones del concierto que capturó la Australian Brodcasting Corporation.
                                                                                                    MCA RECORDS


Es raro que un album en vivo capture no solo una remarcable presentación sino tambien un momento crucial en la vida y carrera de un artista. Esta realización que este año cumplió 27 años documenta algunos momentos musicales asombrosos así como una noche legendaría en la que Elton John contempló la destrucción de su voz y su carrera, y ganó
.

A través de toda su gira por Australia a finales de 1986, en la cuál sobresalía un conjunto de rock tradicional y un grupo orquestral completo cada noche, Elton había sufrido dolor y dificultades vocales debido a polipos en sus cuerdas vocales. Su cirugía para remover estos polipos ocurrió justamente semanas después de cerrar el tour a comienzos de Enero de 1987. Mientras el realizaba este show en las noches finales del tour, el no tenía idea si su cirugía dejaría lo dejaría con la habilidad para cantar de nuevo, y ya no se diga hacerlo al nivel de una superestrella de rock de nuevo.
Sabiendo esto y expectorando (expulsando) flemas y sangre durante toda la noche, Elton continuó para realizar una legendaria presentación, con un nivel de compromiso y pasión que cimbraron a su frágil estado.
Puedes escuchar la crudeza de su voz en el disco "Live In Australia", pero esta no suena dañada, suena más intensa, más emocional.


Esta ha sido llamada la última grabación en la cuál Elton John usó su "viejo" registro-vocal- ya que la cirugía y el envejecimiento le trajeron a su voz una disminución de unas cuantas octavas mientras que se le adicionó una nueva profundidad sentimental a su timbre. Pero la transición parece comenzar aqui, tu puedes escuchar a Elton John introduciéndose fuertemente en las notas, encontrando un nuevo fraseo para canciones que el habría cantado noche a noche por años, determinado a extraer hasta la última gota de emoción y de poder a esta su música.


En el concierto el está respladado por una orquesta sinfónica completa bajo la dirección de James Newton Howard quién también contribuyó con alguno de los arreglos orquestales. Howard pasaría a convertirse en un exitoso compositor para filmes trabajando en estrecha colaboración con James Cameron en éxitos de taquilla como "Titanic" y "Avatar".Para los conciertos de Elton en Australia Howard desarrolló arreglos cálidos, exhuberantes y dinámicos de algunas de las canciones clásicas de Elton John incluyendo "Don´t Let The Sun Go Down On Me" y "Take Me To The Pilot".
El album "Live In Australia" es un emocional punto de cambio para Elton John en dos cosas: personalmente y artísticamente. Es la música de un hombre encarando el dolor real y superándolo mientras el mundo lo escuchaba.

Crítica por  ULTIMATE CLASSIC ROCK
Tracción del texto Rock and Blues Zone






Rod Stewart - Another Country



En 2013 cuando Elton John realizó su album "The Diving Board", el fué presentado con un  BRITs Icon Award por su amigo Rod Stewart. Esto le propició una gran oportunidad al para divertirse cada uno a expensas del otro. "Tengo muchas ganas de escuchar tu nuevo album", comentó Stewart , "como se llama? El burro de planchar?". Y yo he escuchado que realmente escribiste algunas canciones en tu nuevo album" replicó John, "Como se llama? Rarezas?".






El dió al clavo: las 11 canciones que Rod Stewart co-escribió en el album Time del 2013 representó la primera contribucion substancial en composición de canciones que el haría a uno de sus albumes después de 25 años. Siendo nunca un fan de la composición, la cuál el admitió conisderarla como una distracción irritante de el más apremiante negocio de salir y disfrutar de sí mismo...Stewart dejó de molestar por completo después del "Out Of Order" de 1988. Para volver a dar guerra habiendo impulsado al album "Time" hasta la cima de los charts Británicos, su primer album de estudio en hacer desde 1976. Es comprensible sus subsecuentes esfuerzos por repetir el truco. El nombre de Stewart aparece en los nombres de todas las canciones excepto en dos.





Quizás nadie resultó tan sorprendido por el regreso de Rod Stewart a la composición que el mismo Rod Stewart. Rod no se había molestado en componer una meldía en cerca de dos décadas, cuando el decidió escribir un nuevo montón de canciones para "Time" del 2013, un album que fué inspirado en parte por el libro editado el 2012 "Rod The Autobiography". 
Llegando casi diez años después de los albumes "The Great American Song Book", el cambio en estilo y canciones fué refrescante, algo que los fans (y algunos críticos) notaron. Para "Another Country" Stewart decidió darles lo que ellos querían: otro conjunto de canciones originales aumentado por un cover de Steve Harley  astutamente elegido: "A Friend For life" ( en la Edición de Lujo, Stewart se muestra aún más irreverente al cantar una vez más "In A Broken Dream" de Python Lee Jackson la cuál el canto en 1978).  




Elton John - Live At Hammersmith Odeon (1973) (40th Anniversary Super Deluxe Edition)



Elton John Live at the Hammersmith Odeon, a  December 22nd 1973 gig across two CDs.
Elton’s in fine voice and the performances are note-perfect. It’s charming to hear a freshly-minted Candle In The Wind (“this is a song about Marilyn Monroe”) without the baggage, and the ‘greatest hits’ that would serve him well for the next four decades (Daniel, Rocket Man, Crocodile Rock etc.) are all present and correct.
 It is an oft-bootlegged one that most fans will already have but it’s a stormer – ‘Rocket Man’ is predictably gigantic and set closer ‘Your Song’ undoubtedly iconic. It’s hard not to wish though, that when he introduces his most famous song ‘Candle In The Wind’ as being “about Marilyn Monroe” that it had stayed that way, a fragile, heartfelt song about a distant legend, rather than suffering the indignity of worthless regurgitation so many years later as a symptom of a country’s borderline perverted obsessions.


This 2 Cds edition was included in the Goodbye Yellow Brick Road (40th Anniversary Deluxe Edition) Box Set 




Disc 1
01. Intro/Funeral For A Friend/Love Lies Bleeding
02. Candle In The Wind
03. Hercules
04. Rocket Man
05. Bennie And The Jets
06. Daniel
07. This Song Has No Title
08. Honky Cat

Disc 2
01. Goodbye Yellow Brick Road
02. The Ballad Of Danny Bailey
03. Elderberry Wine (including Rudolph The Red-Nosed Reindeer)
04. I've Seen That Movie Too
05. All The Young Girls Love Alice
06. Crocodile Rock
07. Your Song
08. Saturday Night's Alright For Fighting

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The Beatles - The White Album [The Beatles] (1968)



The Beatles or "The White album" as it became better known was released on 22nd November, 1968 on the fifth anniversary of their second album, With The Beatles. A total of 34 new tracks were released in 1968 and 30 were contained on this one double-LP.

  The White Album, is the ninth studio album by  The Beatles. A double album, its plain white sleeve has no graphics or text other than the band's name embossed (and, on the early LP and CD releases, a serial number).

  Following the recording of their single "Lady Madonna" in February, the Beatles flew to Rishikesh, India for several weeks of meditation with Maharishi Mahesh Yogi during which they enjoyed a prolific period of song writing. Recording began at Abbey Road on 30th May and studio work occupied most of their time until the final session in mid October.

 The colourful artwork that had adorned Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band and Magical Mystery Tour albums was absent here. The double wallet merely had words The BEATLES embossed on the front cover. Early copies also had a individual number stamped on the front. Inside the package along with the two discs wrapped in black inner sleeves were four individual photographs of the guys and a folded poster containing a photo-collage with the lyrics to the songs on the reverse.

 The Beatles was the group's first album to appear on the Apple label. The change from Parlophone to Apple had first taken place with the release of the "Hey Jude" single in August, 1968.



Dubbed by Rolling Stones magazine as one of the most influential albums in musical history, the Beatles’ “White Album” embodies the band possibly at its finest. The album itself was originally titled “The Beatles”. Nonetheless, it eventually became known as the “White Album” due to its iconic white cover artwork of the album along with the continual use of the term “The White Album” by media. In contrast to its predecessor, “Sgt. Pepper”, and every other previous album they had released the “White Album” was specially recorded for stereo. The Beatles themselves were in the studio to approve the stereo mixes causing the album to be considered a landmark in the band’s history.


 
 CD 1
1. Back In The U.S.S.R.
2. Dear Pudence
3. Glass Onion
4. Ob-La-Di Ob-La-Da
5. Wild Honey Pie
6. The Continuing Story Of Bungalow Bill
7. While My Guitar Gently Weeps
8. Happiness Is A Warm Gun
9. Martha My Dear
10. I’m So Tired
11. Blackbird
12. Piggies
13. Rocky Raccoon
14. Don’t Pass Me By
15. Why Don’t We Do It In The Road?
16. I Will
17. Julia


CD 2
1. Birthday
2. Yer Blues
3. Mother Nature’s Son
4. Everybody’s Got Something To Hide Except Me And My Monkey
5. Sexy Sadie
6. Helter Skelter
7. Long, Long, Long
8. Revolution 1
9. Honey Pie
10. Savoy Truffle
11. Cry Baby Cry
12. Revolution 9
13. Good Night

The Alan Parsons Project - Tales Of Mystery And Imagination - Edgar Allan Poe (1976) (Deluxe Ed.)



Tales of Mystery and Imagination Edgar Allan Poe, is the debut album by the progressive rock group The Alan Parsons Project, released in 1976. The title of the album is taken from a popular title for a collection of Poe's macabre tales of the same name, Tales of Mystery & Imagination, first published in 1908 and reprinted many times since. -Review by Wikipedia

As it was said the concept of the album revolves around the work of Edgar Allan Poe through 7 songs, including two instrumentals "A Dream Within A Dream" and "The Fall of the House of Usher".
His original idea was to make an album in which Parsons and Woolfson would provide the instrumental part. Whilst a number of known guest singers would contribute with the vocals. The inaugural presentation of this work in 1976 caused a big sensation when it was presented at the Planetarium Griffith Park Observatory in England, accompanied by a laser show lighting.

 The guest vocalists for this show were Arthur Brown, John Miles and Terry Sylvester. What makes the album unique is that, unlike the later albums, even with all the technology used and the concept of progress that characterizes "Alan Parsons Project", the album sounds wonderfuly ancient and totally away from modernism. The cover is the work of "Hipgnosis". -Review by THE ALAN PARSON PROJECT

Release history
Originally simply called The Alan Parsons Project, the album was successful enough to achieve gold status. The identity of The Alan Parsons Project as a group was cemented on the second album, I Robot, in 1977.
The original version of the album was available for several years on vinyl and cassette, but was not immediately available on CD(the CD technology not being commercially available until 1982).



In 1987, Parsons completely remixed the album, including additional guitar passages and narration (by Orson Welles) as well as updating the production style to include heavy reverb and the gated reverb snare drum sound, which was popular in the 1980s. The CD notes that Welles never met Parsons or Eric Woolfson, but sent a tape to them of the performance shortly after the album was manufactured in 1976.

The first passage narrated by Welles on the 1987 remix (which comes before the first track, "A Dream Within a Dream") is sourced from an obscure nonfiction piece by Poe – No XVI of his Marginalia (from 1845 to 1849 Edgar Allan Poe titled some of his reflections and fragmentary material "Marginalia.") The second passage Welles reads (which comes before "The Fall of the House of Usher" (Prelude), seems to be a partial paraphrase or composite from nonfiction by Poe, chiefly from a collection of poems titled "Poems of Youth" by Poe (contained in "Introduction to Poems – 1831" in a section titled "Letter to Mr. B-----------"; the "Shadows of shadows passing" part of the quote comes from the Marginalia.

In 1994 Mobile Fidelity Sound Lab (MFSL) released the original 1976 version on CD (UDCD-606), making the original available digitally for the first time.

In 2007, a Deluxe Edition released by Universal Music included both the 1976 and the 1987 versions remastered by Alan Parsons during 2006 with eight additional bonus tracks. - Review by Wikipedia

CD 1:
01. A Dream Within A Dream (Instrumental)
02. The Raven
03. The Tell-Tale Heart
04. The Cask Of Amontillado
05. (The System Of) Doctor Tarr And Professor Fether
06. The Fall Of The House Of Usher (Instrumental): I Prelude
07. The Fall Of The House Of Usher (Instrumental): II Arrival
08. The Fall Of The House Of Usher (Instrumental): III Intermezzo
09. The Fall Of The House Of Usher (Instrumental): IV Pavane
10. The Fall Of The House Of Usher (Instrumental): V Fall
11. To One In Paradise
12. The Raven (Original Demo)
13. Edgar (Demo Of An Unreleased Track)
14. Orson Welles Radio Spot
15. Interview With Alan Parsons And Eric Woolfson (1976)

CD 2:
01. A Dream Within A Dream (1987 Remix)
02. The Raven (1987 Remix)
03. The Tell-Tale Heart (1987 Remix)
04. The Cask Of Amontillado (1987 Remix)
05. (The System Of) Dr. Tarr And Professor Fether (1987 Remix)
06. The Fall Of The House Of Usher - Prelude (1987 Remix)
07. The Fall Of The House Of Usher - Arrival (1987 Remix)
08. The Fall Of The House Of Usher - Intermezzo (1987 Remix)
09. The Fall Of The House Of Usher - Pavane (1987 Remix)
10. The Fall Of The House Of Usher - Fall (1987 Remix)
11. To One In Paradise (1987 Remix)
12. Eric's Guide Vocal Medley
13. Orson Wells Dialogue
14. Sea Lions In The Departure Lounge (Sound Effects And Experiments)
15. Gbh Mix (Unreleased Experiments)

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